„Shaw Brothers Classics: Band 2“ Blu

Dieses Set bietet eine starke Auswahl an Filmen und eine erstaunlich informative Schar an Extras.

Direkt im Anschluss an ihre erste Sammlung von Shaw Brothers-Filmen, Shout! Factory's Shaw Brothers Classics Vol. 2 setzt die fortlaufenden Bemühungen mehrerer Labels fort, bemerkenswerte Einträge im umfangreichen Katalog des Hongkonger Studios wiederherzustellen und zu veröffentlichen. Wie schon bei ihrer vorherigen Kollektion Shout! beschränkt die Auswahl für diese zweite Box auf einen konzentrierten Zeitraum der Produktionen des Studios. Während die erste Box aus den Jahren 1967–69 zeigte, wie das Studio hektisch vom bahnbrechenden Erfolg von „The One-Armed Swordsmen“ mit einer Menge gleichgesinnter Wuxia-Filme profitierte, findet sich hier in der breiteren Auswahl in der ersten Hälfte der 70er Jahre „Shaw Brothers“. sowohl Trends setzen als auch verfolgen.

Der erste Band von Shout! demonstrierte, wie das Shaw Brothers-Studio so viele funktional identische Filme produzierte, zwischen Rachehandlungen, Schwert-Action und wiederverwendeten Sets, dass innerhalb von zwei Jahren nach dem Paradigmenwechsel von The One-Armed Swordsmen das Haus Die Marke war bereits veraltet. Man kann sehen, dass sich dieser Abschwung in den frühen Filmen dieser Serie fortsetzt. „Lady of Steel“ und „Brothers Five“, beide aus dem Jahr 1970, sind erstklassige Wuxia-Filme, die jeweils durch ihre Kampfchoreografie unterhaltsam sind, denen es aber an herausragender Energie oder Fantasie mangelt, um sie von einem Dutzend anderer, gleichzeitig im selben Studio gedrehter Filme zu unterscheiden. Letzterer wurde von Lo Wei inszeniert, der auch bei „The Shadow Whip“ aus dem Jahr 1971 Regie führte, in dem Cheng Pei-pei und Yuen Ha aus „Come Drink with Me“ in einem entschieden minderwertigen Film wiedervereint werden.

Dennoch wird der Mangel an epischem Schwung und philosophischem Drama durch Los robuste Brutalität wettgemacht, was sich gut für einen Einstieg in das Wuxia-Subgenre von Filmen eignet, bei denen es ausschließlich um den Einsatz einer unorthodoxen Waffe geht. In diesem Fall handelt es sich bei der Waffe natürlich um eine Peitsche, die von Chengs rachsüchtiger Figur geführt wird, und Lo lädt den Film mit einigen wilden Stunts auf, etwa als eine Kriegerin einen Speer auf Cheng wirft, der ausweicht, ihre Peitsche um seine Kehle wickelt und fortfährt ihn durch die Stange seines eigenen Instruments zu werfen und ihn sofort zu töten.

„The Shadow Whip“ ist einer von drei seltsamen Waffenfilmen im Set, die anderen beiden sind Ho Meng-huas blutrünstiger „The Dragon Missile“ aus dem Jahr 1976 und der legendäre „The Flying Guillotine“ aus dem Vorjahr. Beide Filme ziehen Enthauptungen und Blut dem Subtext oder der Philosophie vor, und beide gehören zu den reinsten Unterhaltungsfilmen dieser Reihe.

Dennoch war in der Kinolandschaft Hongkongs ein Wandel im Gange, und insbesondere Lo Wei würde in dieser Zeitspanne mit Filmen, die er für andere Studios drehte, einen größeren Einfluss auf Shaw Brothers haben. 1971 drehte er für „Golden Harvest“ „The Big Boss“, Bruce Lees erstes großes Hauptdarstellerfahrzeug, und genauso schnell, wie „The One-Armed Swordsmen“ fünf Jahre zuvor das maskuline, verwegene Wuxia zum bevorzugten Genrefilm eingeführt hatte, führte er auch fünf Jahre zuvor die Regie , hat der enorme Erfolg dieses Films eine neue Nachfrage nach Kampfkunstfilmen geschaffen, die auf Nahkampfkunst basieren?

Sie können die schnelle Anpassung in The Crimson Charm aus dem Jahr 1971 sehen, das als eine weitere Rachegeschichte zwischen Kriegerschulen beginnt, die vom Schwertkampf vorangetrieben wird, und in der sogar die Hauptheldin Yu Fang-Fang (Ivy Ling Po) in einem Kampf ihren Arm verliert. Mit dieser Verletzung ändert der von Wong Fung inszenierte Film jedoch den Gang und übernimmt die immer beliebter werdende Nahkampf-Action. Auch wenn die Kampfkünste im Höhepunkt auf Waffen zurückgreifen, kann man sehen, wie das Studio die Anforderungen des zeitgenössischen Publikums an Genrefilme testet.

Diese Schwerpunktverlagerung kam eindeutig dem zuverlässigsten Filmemacher des Studios, Chang Cheh, zugute, der bei vier der hier gezeigten Filme Regie führte. „The Delightful Forest“ aus dem Jahr 1972 optimiert die übliche Formel der Shaw Brothers dieser Ära: Es beginnt damit, dass der Held Wu Song (Ti Lung) seine Suche nach Rache abschließt und sich dafür einer Verhaftung unterzieht, sodass der Rest des Films folgen kann seltsame Heldentaten des Meisterkampfkünstlers, als er von seinen eigenen Gefängniswärtern rekrutiert wird, um mit örtlichen Schlägern fertig zu werden, die sie nicht verdrängen können. Chang veranstaltet einen Meisterkurs im Martial-Arts-Filmemachen, in dem er komplizierte Hand-zu-Hand-Choreografien mit flüssigen Kamerabewegungen und logischen Schnitten verbindet, und er verschönert das Bild mit expressionistischen Licht- und Blockeffekten.

Doch „The Delightful Forest“ ist dank Tis ausgelassener Darbietung auch recht witzig, was Wu sowohl als moralisch kompromisslosen Hardass darstellt, der strikt nach dem Ehrenkodex liebt, als auch als prahlerischen Angeber, der vor jedem Kampf Wein trinkt und behauptet, dass ihn das nur stärker macht. Der Film ähnelt den eher düster-komischen Elementen von Sergio Leones Dollars-Trilogie und verfügt sogar über eine parodistische Morricone-artige Musik aus lässigem Pfeifen und Western-Twang.

An anderer Stelle zeigen „Man of Iron“ aus dem Jahr 1972 und „Heroes Two“ aus dem Jahr 1974, wie schnell sich Changs Geschick im Umgang mit einer neuen Art von Action-Choreografie entwickelte. Obwohl zwischen diesen Filmen nur zwei Jahre liegen, hat Chang zum Zeitpunkt des letzteren die Mischung aus eleganten langen Einstellungen und schnellem Schnitt, die bereits in seinem früheren Wuxia gezeigt wurde, zu neuen kinetischen Höhen geführt.

Bei „Heroes Two“ fühlt sich jeder Schlag wie eine Wirkung auf den Zuschauer selbst an und es gelingt ihm, ein Gefühl der räumlichen Kohärenz und eine Vorstellung davon zu bewahren, welche Charaktere zu einem bestimmten Zeitpunkt noch aktiv sind – keine Kleinigkeit für einen Film, in dem es regelmäßig um Actionszenen geht Dutzende Künstler. Sogar Changs schwächster Film im Set, „The Water Margin“ aus dem Jahr 1972, ist ein faszinierender Ausreißer, bei dem er sich von seinem reinen Action-Fokus abwendet und sich einem Epos voller politischer Intrigen und Täuschungen zuwendet. Es gibt immer noch Actionszenen, aber sie dienen als Interpunktion für Konflikte, die sich meist hinter verschlossenen Türen zwischen verschiedenen Parteien betrügerischer sozialer Aufsteiger abspielen.

Zusätzlich zu Changs üblichen hochwertigen Angeboten gibt es auch ein paar spannende Überraschungen im Set, von denen einige übernatürliche Elemente in die Mechanik der Kampfkünste des Studios einbringen. Von diesen ist Chou Hsu-Chiangs „Die Braut aus der Hölle“ aus dem Jahr 1971 der am wenigsten fesselnde Film in der Sammlung, aber seine Geistergeschichtenkonstruktion bietet eine Pause vom reinen Kampf in Form von abgedroschenen Spezialeffekten und einer makabren Variante der Studiofilme Rachepläne.

Weitaus besser in „Der Spiegel des Teufels“ von 1972. Trotz der mangelnden Erfahrung des Regisseurs Sun Chung (dies war erst sein dritter Film und sein erster für Shaw Brothers) bringt er echte Energie in die Mischung aus Wire-Fu-Wuxia und schwarzmagischer Mystik des Films. „The Devil's Mirror“ ist so voller Actionsequenzen, dass das Ganze an einen besonders gewalttätigen Zeichentrickfilm erinnert. Sun unterscheidet jede Szene von den anderen und treibt das Blut auf die Spitze. Simon Hsus Stunt-Choreografie ist durchweg brillant, egal ob es um Massenschlägereien, Eins-gegen-Eins-Schwertduelle oder körperlich unmögliche Momente mit durch die Luft fliegenden Körpern geht. Sie verkörpert das Beste, was Shaw Brothers als Lieferant von Actionkino zu bieten hat. Dieser Film weist mehr als jeder andere Film von Chang direkt auf die größten Triumphe des Studios in den späten 70er- und frühen 80er-Jahren hin.

Jeder der in diesem Set enthaltenen Filme sieht klar und lebendig aus. Die Erdtöne der ländlichen Hintergrundkulisse wirken im Vergleich zu den roten Stößen der Gebäudeschilder und den Spritzern von Requisitenblut angemessen eintönig. Die Körnung des Films ist gleichmäßig verteilt und in dunkleren Szenen sind keine nennenswerten Quetschungen zu erkennen. Die Soundtracks sind ähnlich klar, wobei die synchronisierten Dialoge und das übertriebene Klirren und Klopfen der Action-Soundeffekte voneinander getrennt sind.

Schreien! Factory hat sich erneut mit einer Lawine an Extras selbst übertroffen, angefangen bei mindestens einem Kommentar zu jedem Film bis hin zu Beiträgen von Kinoexperten, Kritikern und Historikern aus Hongkong. Es gibt auch Interviews mit überlebenden Darstellern und Crewmitgliedern aus den Filmen sowie Dokumentationen zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Shaw Brothers Studios aus dieser Zeit, die in ihren Details aufschlussreich sein können. Bemerkenswert ist Tony Rayns' Einführung in die Horrorfilme des Studios, die der CD zu „Die Braut aus der Hölle“ beigefügt ist und möglicherweise unterhaltsamer ist als der Film selbst. Stundenlange Dokumentationen und Kommentare liefern eine Informationsflut über das Studio und verehren seine schnell produzierten Genre-Arbeiten als hohe Kunst.

Schreien! Factory verbessert seine erste Reihe von Shaw Brothers-Klassikern mit einer stärkeren Auswahl an Filmen und einer erstaunlich informativen Fülle an Bonusfeatures.

Jake Cole ist ein in Atlanta ansässiger Filmkritiker, dessen Arbeiten in MTV News und Little White Lies erschienen sind. Er ist Mitglied des Atlanta Film Critics Circle und der Online Film Critics Society.

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